Save yourself - Soft Machine

Portada Rola: Save yourself
Traducción: Salvate a ti mismo
Intérprete: Soft Machine
Compositor: Robert Wyatt
Disco: The Soft Machine
Productor: Chas Chandler, Tom Wilson


Duración: 02:26
Año: 1968
Formato: L.P.
A la venta: 01/12/1968
Disquera: ABC Dunhill Records


Robert Wyatt – batería y voz principal
Mike Ratledge – órgano Lowrey Holiday De Luxe
Kevin Ayers – bajo y coros



Save yourself
Salvate a ti mismo
It's my, my bed you're lying on
It's my, my bed you're dying on
But if it's my head you're relying on

You gotta save yourself
Don't enslave yourself
Just to save yourself
Stay in your own bed at night

Because, girl, you know that if
I try to feed you and keep you all week to make you feel secure
Then you won't leave my bed, though you wanna stay fed
Will your heart remain, girl?
You know you can't make it
Without tryin' to fake it
And I believe, baby

You gotta save yourself
Don't enslave yourself
Just to save yourself
Stay in your own bed at night


1. "Hope for Happiness"
2. "Joy of a Toy"
3. "Hope for Happiness (reprise)"
4. "Why Am I So Short?"
5. "So Boot If At All"
6. "A Certain Kind"

1. "Save Yourself"
2. "Priscilla"
3. "Lullabye Letter"
4. "We Did It Again"
5. "Plus Belle qu'une Poubelle"
6. "Why Are We Sleeping?"
7. "Box 25/4 Lid"

The Soft Machine, as reissue also titled "Volume One", is the debut album by the British psychedelic rock band Soft Machine, one of the central bands in the Canterbury scene. The band, founded in 1966, recorded and released this studio album during their 1968 tour of the USA. It was produced by Chas Chandler and Tom Wilson.

Recorded in just a few days in New York while Soft Machine were touring America, this debut album is really a reflection of the band's live sets at the time : a collection of psych-flavoured pop songs linked together by instrumental, sometimes improvised, interludes. Although the arrangements don't have the sophistication of later ones, what strikes one when listening to this album is how unique a style Soft Machine had already come up with at the time. Granted, there is some naivety in both the lyrics and music sometimes (some of the songs date from the Wilde Flowers years), but also an impressive maturity as a group of players. The interplay between Ratledge's organ and Wyatt's drums is of an intensity rarely paralleled in Soft Machine's later, more jazz-oriented efforts. Kevin Ayers' contributions are concentrated on the second side, the highlights of which are the absurdly repetitive "We Did It Again" and the Gurdjieff-inspired "Why Are We Sleeping?", both of which have since remained favourites of Ayers' solo gigs.


Portada Soft Machine: Canterbury

Soft Machine fue un grupo inglés de rock progresivo, rock psicodélico y jazz fusión formado en Canterbury en 1966. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine. Son una de las principales bandas de la Escena de Canterbury, la cual se caracterizaba por fusionar la psicodelia con el jazz y el rock progresivo.

Soft Machine fue fundada en 1966 por el vocalista y batería Robert Wyatt, el guitarrista, bajista y vocalista Kevin Ayers, el guitarrista Daevid Allen y el teclista Mike Ratledge.

Al poco de comenzar con su actividad, la banda grabó su primer single, Love Makes Sweet Music, y varias maquetas, que fueron publicadas algunos años después. Este material permitió que Soft Machine comenzase su primera gira por Europa, en países como Francia, Alemania y Holanda. De vuelta al Reino Unido, las autoridades de dicho país restringieron el acceso a Daevid Allen, australiano, por lo que éste regresó a París y fundó la banda Gong, y Soft Machine continuó como un trío.

La grabación del primer álbum de la banda, The Soft Machine, transcurrió en los Estados Unidos dentro del género del rock psicodélico y rock progresivo. De vuelta al Reino Unido, Andy Summers, futuro guitarrista de The Police, se unió a la banda para participar en su gira, pero fue despedido al finalizar ésta a causa de problemas con Kevin Ayers. Después de una actuación en los Estados Unidos, Ayers decide disolver la banda, y sus miembros tomaron caminos distintos.

Soft Machine was formed in 1966 by Robert Wyatt, Mike Ratledge, Kevin Ayers and Daevid Allen. Wyatt had already worked with Allen in the Daevid Allen Trio (which Ratledge occasionally jammed with) in 1963, and with Ayers in the Wilde Flowers in 1964. Although the band had its roots in Canterbury, it soon became a London-based band.

In January 1967, the band's one and only single ever was recorded : it had two songs on it, "Loves Make Sweet Music" and "Feelin', Reelin', Squeelin'". Three months later, a collections of demos was recorded at DeLane Lea Studios with producer Giorgio Gomelsky, but not officially released until 1971 (on two compilations on the French Byg label). At that time, Soft Machine had already become something of a 'cult' band on the London psychedelic scene, gigging at places like the Roundhouse or the UFO. On April 29th, 1967, they took part in an event set up by the underground paper 'International Times', which also featured the Pink Floyd, and was given the name, '14 Hour Technicolor Dream'.

During the summer, the band was involved in an avant-garde theatre project in St.Tropez, on the French Riviera, and it was on the way back that Daevid Allen was refused re-entry to England. So he stayed in France, moving on to various projects before forming Gong two years later, while Wyatt, Ratledge and Ayers decided to carry on as a trio.

In February 1968, Soft Machine embarked on a 3-month US tour (opening for the Jimi Hendrix Experience), recording their first album in New York in four days in April, with production handled by Tom Wilson and Chas Chandler, former Animals bassist and Hendrix's producer. Although quickly made (most tracks are first takes) and not particularly well-recorded, "The Soft Machine" is now considered a classic of the extraordinarily creative post-psychedelic, pre-progressive, period of the late 60's... and quite rightly so!

In May, a guitarist by the name of Andy Summers (also on the earlier Hendrix US tour, backing Eric Burdon… later in The Police, of course!) joined, for the second leg of the American tour (July-September), but left mid-tour. Disagreements on the musical direction began to arise between Ayers and Wyatt-Ratledge, leading to their parting company after the tour was completed. Wyatt stayed in Hollywood to work with Jimi Hendrix, while Ratledge and Ayers flew back to Europe. In December 1968, Wyatt was contacted by Probe, who had just released the first album, to discuss possible live dates by the band to promote it. With Ayers unavailable, Hugh Hopper was asked to join (he was about to sell his bass!), and after a month of rehearsal, the new line-up made its live debut at the Royal Albert Hall in February, a few days before entering Olympic Studios to record the second album.

Lalena - Deep Purple


Rola: Lalena
Traducción: Lalena
Compositor: Donovan Leicht
Intérprete: Deep Purple
Incluída en el L.P. Deep Purple III
Orden al bat: 155


Cuando Donovan compuso Lalena, sincretizó el nombre de la actriz alemana Lotte Lenya, quin lo había impresionado con su actuación en la versión cinematográfica de la Ópera de los Tres Centavos compuesta por Kurt Weill marido de la misma Lotte) y Bertold Brecht. Recuerda Donovan: "Pensé: De acuerdo, es una callejera, pero en la historia del mundo, en todas las naciones, la mujer ha jugado varios roles de monja, prostituta, madre, doncella o esposa.

Este aspecto de poder sexual es muy prominente. Las mujeres juegan roles a los que son empujadas y los actúan de la mejor forma que ellas pueden, así es que la manera en la que yo estoy describiendo el carácter de Lotte Lenya es jugando. Es un personaje que vive marginado en los límites de la sociedad".

Esto podría explicar el verso "That's your lot in life, Lalena/I can't blame ya, Lalena" ("Es la vida que te tocó, Lalena/No te culpo").

Deep Purple, graba Lalena en su disco epónimo de 1969, un año después de que se publicara la versión de Donovan, siendo este el único "cover" utilizado por la banda inglesa, a diferencia de sus discos anteriores. Esta versión es una de las rolas más calmadas y tranquilas rolas en el repertorio de Deep Purple y nunca volvieron a tocarla en vivo después de 1969.

En 1968, muchas niñas fueron llamadas Lalena, en honor a la rola y nosotros conocemos a una de ellas: Amanda Lalena, Amandititita, la hija del Rockdrigo.


Duración: 05:03
Productor: Derek Lawrence
Año: 1969
Formato: L.P.
A la venta: 21/06/1969
Disquera: Harvest


Ritchie Blackmore - guitar
Rod Evans - lead vocals
Nick Simper - bass, backing vocals
Jon Lord - Hammond organ, keyboards, backing vocals
Ian Paice - drums


When the sun goes to bed
That's the time you raise your head
That's your lot in life, Lalena
Can't blame ya

Arty-tart, la-de-da
Can your part get much sadder?
That's your lot in life, Lalena
Can't blame ya

Run your hand through your hair
Paint your face with despair
That's your lot in life, Lalena
Can't blame ya

Run your hand through your hair
Paint your face with despair
That's your lot in life, Lalena
Can't blame ya

When the sun goes to bed
That's the time you raise your head
That's your lot in life, Lalena
I can't blame ya

Arty-tart, oh, so la-de-da
Can your part ever get, ever get much sadder?
That's your lot in life, Lalena
I can't blame ya
No, no, no, Lalena
Oh, Lalena


1. "Chasing Shadows"
2. "Blind"
3. "Lalena"
4. "Fault Line / The Painter"

1. "Why Didn't Rosemary"
2. "Bird Has Flown"
3. "April"

Este es el tercer disco de Deep Purple, el último de la primer alineación también conocida como Mark I en la que aún estaba el vocalista Rod Evans y el bajista Nick Simper, y presumiblemente el mejor trabajo de esta Mark I. No sólo eso, sino que es uno de las mejores entregas de cualquier alineación de Deep Purple, opacada apenas por las joyas del ‘71-‘72. Este disco, también conocido por los fans como el Deep Purple III, quizá es su trabajo más psicodélico como banda, sí, más incluso que el Shades, y bastante superior, ya que no hay piezas vacías de pop, no hay malos covers (de hecho el único cover del disco es conmovedor!), no hay portadas desabridas, no hay letras vulgares, no hay piezas monótonas de rock como las que saldrían en la segunda mitad de los 70’s, y es un álbum perfectamente balanceado, con un gusto impecable, una gran variedad de estilos que van desde la delicadísima balada “Lalena” hasta tremendos blues rockers como “Why Didn't Rosemary” o “Bird Has Flown”, experimentales como “Fault Line” hasta pasajes entre clásicos-artísticos-progresivos como la inspiradísima “April”, que a pesar de su duración es una obra muy bien lograda y cuidada hasta el más mínimo detalle.

Este disco dan diverso tiene tan buenos acabados por estar hecho entre los límites de la pasión de Richie por los riffs pesados e inteligentes de guitarra (y afortunadamente aquí Blackmore tiene mucho más peso que en el Taliesyn) y por otro lado balanceado con la adoración de Jon por la música clásica que los llevó a territorios cercanos al prog. Bueno, sin contar el “Concerto For Group & Orchestra”. En este punto parece que la banda aún no se decidía por alguna de las dos corrientes que presentaban, los rockers furiosos y sanguinarios, hechos con una maestría total y con un trabajo de guitarra aún en desarrollo, pero que ya daba nota de un genio en potencia a las 6 cuerdas. Y por otro lado, un sonido más tendiente a lo clásico, a buscar suites elaboradas y detalladas con el teclado de Lord como líder, creando estructuras complejas y mezclando sonidos que recuerdan en su elaboración a Procol Harum, Pink Floyd, Jethro Tull y King Crimson. Con en In Rock está claro cual fue la corriente que prevaleció en la Deep Purple, y me parece una decisión acertada; Lord aceptó la decisión y aún así supo mantenerse como un referente básico y un tremendo tecladista, aunque siempre me ha quedado la idea de que Deep Purple también pudo haber entrado a las grandes ligas del Art-Progresive.

Pero la cuestión es que este disco no pegó no porque no fuera bueno, sino por esas cuestiones inexplicables del destino. El álbum es sólido de principio a fin, y algunos de los fans de Purple lo consideran su obra maestra por esa mezcla perfecta de psicodelia, de buenos y potentes riffs, solos creativos, y la dosis de elementos clásicos y complejidad musical proporcionados por Lord y Blackmore en un balance perfecto. Si Warner se hubiera avivado y hubiera dado apoyo y difusión al disco quién sabe si el disco hubiera sido un enorme trancazo como merecía ser, si Evans y Simper se hubieran mantenido y si el grupo hubiese seguido por terrenos del art-prog. Pero el hubiera no existe, y el hecho de que el disco haya pasado desapercibido por una broma cruel del destino no significa que no sea maravilloso ni que no lo podamos disfrutar hoy en día en toda su grandeza.


Deep Purple: Hertford

Deep Purple are an English rock band formed in Hertford in 1968. Along with Led Zeppelin and Black Sabbath, they are considered to be among the pioneers of heavy metal and modern hard rock, although some band members believe that their music cannot be categorised as belonging to any one genre. The band incorporated classical music, blues-rock, pop and progressive rock elements. They were once listed by the Guinness Book of World Records as "the loudest pop group", and have sold over 100 million albums worldwide. Deep Purple were ranked #22 on VH1's Greatest Artists of Hard Rock programme.

The band has gone through many line-up changes and an eight-year hiatus (1976–84). The 1968–76 line-ups are commonly labelled Mark I, II, III and IV. Their second and most commercially successful line-up featured Ian Gillan (vocals), Jon Lord (keyboards), Roger Glover (bass), Ian Paice (drums) and Ritchie Blackmore (guitar). This line-up was active from 1969 to 1973 and was revived from 1984 to 1989 and again in 1993, before the rift between Blackmore and other members became unbridgeable. The current line-up (including guitarist Steve Morse) has been much more stable, although Lord's retirement in 2002 has left Paice as the only original member never to have left the band.

In October 1968, the group had success with a cover of Joe South's "Hush", which reached #4 on the US Billboard chart and #2 on the Canadian RPM charts. The song was taken from their debut album Shades of Deep Purple, which was released in July 1968, and they were booked to support Cream on their Goodbye tour.

The band's second album, The Book of Taliesyn (including a cover of Neil Diamond's "Kentucky Woman"), was released in the United States to coincide with this tour, reaching #38 on the billboard chart and #21 on the RPM charts, although it would not be released in their home country until the following year. 1969 saw the release of their third album, Deep Purple, which contained strings and woodwind on one track ("April"). Several influences were in evidence, notably Vanilla Fudge (Blackmore has even claimed the group wanted to be a "Vanilla Fudge clone") and Lord's classical antecedents such as Bach and Rimsky-Korsakov.

After these three albums and extensive touring in the United States, their American record company, Tetragrammaton, went out of business, leaving the band with no money and an uncertain future. (Tetragrammaton's assets were assumed by Warner Bros. Records, who would release Deep Purple's records in the US throughout the 1970s.) Returning to England in early 1969, they recorded a single called "Emmaretta", named for Emmaretta Marks, then a cast member of the musical Hair, whom Evans was trying to seduce. This would be the band's last recording before Evans and Simper were fired.

In search of a replacement vocalist, Blackmore set his sights on 19 year old singer Terry Reid, who only a year earlier declined a similar opportunity to front the newly forming Led Zeppelin. Though he found the offer "flattering" Reid was still bound by the exclusive recording contract with his producer Mickie Most and more interested in his solo career.[16] Blackmore had no other choice but to look elsewhere.

The band hunted down singer Ian Gillan from Episode Six, a band that had released several singles in the UK without achieving their big break for commercial success. Six's drummer Mick Underwood – an old comrade of Blackmore's from his Savages days – made the introductions of Gillan and bassist Roger Glover. This effectively killed Episode Six and gave Underwood a guilt complex that lasted nearly a decade – until Gillan recruited him for his new post-Purple band in the late 1970s.

This created the quintessential Deep Purple Mark II line-up, whose first, inauspicious release was a Greenaway-Cook tune titled "Hallelujah", which flopped.

The band gained some much-needed publicity with the Concerto for Group and Orchestra, a three-movement epic composed by Lord as a solo project and performed by the band at the Royal Albert Hall with the Royal Philharmonic Orchestra, conducted by Malcolm Arnold. Together with Five Bridges by The Nice, it was one of the first collaborations between a rock band and an orchestra although, at the time, certain members of Deep Purple (Blackmore and Gillan especially) were less than happy at the group being tagged as "a group who played with orchestras" when actually what they had in mind was to develop the band into a much tighter, hard-rocking style. Despite this, Lord wrote and the band recorded the Gemini Suite, another orchestra/group collaboration in the same vein, in late 1970.


Donovan (original), Helena Vondráčková (en checo), Jane Olivor

Hello, I Love You - The Doors

Rola: Hello, I Love You
Traducción: Hola, te amo
Intérprete: The Doors
Compositor: Jim Morrison, Ray Manzarek, Robbie Kriger, John Densmore
Disco: Waiting For The Sun
Productor: Paul A. Rothchild


Duración: 02:16
Año: 1968
Formato: 7"
A la venta: 01/06/1968
Lado B: Love Street
Disquera: Elektra






The Doors: Los Angeles

The Doors fue una influyente banda de rock estadounidense, formada en Los Ángeles (California), en julio del año 1965 y disuelta en el año 1973, que, junto con bandas como Jefferson Airplane, Grateful Dead, The Beatles o Pink Floyd, se convirtió en uno de los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock, y ha sido descrito como "una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock".

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray (fanatico de blues y rock de la epoca) le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda.

Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychodelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto, enfatizando tambien el hecho de haber sido influenciados por diferentes grupos de rock de la epoca, asi como el destacado genero del blues. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.

Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".

Can't Be So Bad - Moby Grape

Rola: Can't Be So Bad
Traducción: No puede ser tan malo
Intérprete: Moby Grape
Compositor: Peter Lewis, Jerry Miller, Bob Mosley, Skip Spence, Don Stevenson
Disco: Wow
Productor: David Rubinson


Duración: 03:41
Año: 1968
Formato: 7"
A la venta: 01/04/1968
Lado B: Bitter Wind
Disquera: Columbia


Peter Lewis – guitarra rítmica y voz
Bob Mosley – bajo y voz
Jerry Miller – guitarra principal y voz
Skip Spence – guitarra rítmica y voz
Don Stevenson – batería y voz





Wow/Grape Jam is the rock band Moby Grape's second album. It was unusual and significantly different from most double album releases. It was released in 1968 as two completely different albums in separate covers but packaged together and sold for the price of a single LP.

Grape Jam was originally intended to be a free bonus album to be given away with Wow. Each album was later released as an individual CD with bonus tracks. Wow originally had a color gatefold sleeve, while Grape Jam had a color non-gatefold cover. This was Moby Grape's highest charting release in the U.S., peaking at #20 on the Billboard 200 album chart.

Wow has a more heavily produced sound than the first Moby Grape album. String and horn arrangements were added to many of the songs by producer David Rubinson. Recording started in Los Angeles in late 1967, but most of the album was recorded in New York City in late 1967 and early 1968.

Murder In My Heart For The Judge is a thumping blues rock tune written by drummer Don Stevenson that was later recorded by other rock musicians such as Lee Michaels, Three Dog Night and Chrissie Hynde. Bitter Wind, written and sung by Bob Mosley, has remained one of the group's most popular songs. The acoustic version heard here contains an ending that includes harsh wind noises and backward vocal. Other standout tracks include Jerry Miller's rocking shuffle Can't Be So Bad, Skip Spence's darkly comedic roots rocker Motorcycle Irene and Peter Lewis's lush ballad He. The album also includes an electrified re-arranged version of Naked, If I Want To, which was heard on the first album as an acoustic track. Just Like Gene Autry: A Foxtrot is the most unusual song here, a 1930's style tune written and sung by Spence. It was given a spoken introduction from Arthur Godfrey and cut onto the LP record at 78 RPM with added scratchy sound effects to give it an authentic period effect. (As a note to collectors, some copies of Wow omit the band's name from the record label, for unknown reasons.)


Moby Grape: San Francisco

Moby Grape es un grupo de rock estadounidense de los años 60, conocidos por la colaboración de todos sus miembros en la composición, así como a la hora de cantar las canciones,[1] y que mezclaron elementos de diferentes estilos musicales como folk, blues, country y jazz, junto con el rock y la música psicodélica. Debido a la fuerza de su primer álbum, muchos críticos consideran a Moby Grape uno de los mejores grupos de rock que surgió de la escena musical de San Francisco a finales de los sesenta. El grupo sigue tocando de forma ocasional. Tal y como ha dicho Jeff Tamarkin, "La saga de los Grape es de un potencial desaprovechado, de decisiones absurdamente equivocadas, mala suerte y errores garrafales, acompañadas por parte del mejor rock and roll en surgir de San Francisco. Moby Grape podían haberlo conseguido, pero se quedaron en nada, y menos"

El grupo se formó a finales de 1966 en San Francisco, por parte de Skip Spence y Matthew Katz. Ambos habían estado asociados previamente con Jefferson Airplane, siendo Spence su primer batería, y haber tocado en su primer álbum, Jefferson Airplane Takes Off, y Katz su manager, aunque ambos habían sido despedidos por el grupo. Katz animó a Spence a formar un grupo similar a Jefferson Airplane, con composiciones variadas y un trabajo vocal compartido por varios miembros, y con Katz como manager.[3] De acuerdo con Peter Lewis, "Matthew (Katz) introdujo el espíritu conflictivo en el grupo. Él no quería una asociación en términos de igualdad. Lo quería todo".

Según se determinó judicialmente, el nombre del grupo había sido aportado por Bob Mosley y Spence, y era la respuesta al chiste "¿Qué es grande y púrpura y vive en el oceáno?".[5] El guitarrista Jerry Miller y el batería Don Stevenson (ambos ex miembros de The Frantics, originalmente procedentes de Seattle)[6] se unieron al guitarrista (e hijo de la actriz Loretta Young) Peter Lewis (de The Cornells), al bajista Bob Mosley (de The Misfits, procedentes de San Diego)[7] y Spence, ahora guitarrista en lugar de batería. Jerry Miller y Don Stevenson habían trasladado a The Frantics de Seattle a San Francisco después de conocer en 1965 a Jerry Garcia, que estaba tocando con The Warlocks en un bar de Belmont. Garcia les animó a trasladarse a San Francisco. Cuando The Frantics se hubieron asentado en San Francisco, Mosley se unió al grupo.

A pesar de que Jerry Miller era el principal guitarrista solista, los tres guitarristas tenían sus partes solistas y a menudo mezclaban sus partes en un estilo asociado con Moby Grape denominado "crosstalk" o "conversación cruzada". El otro grupo importante con tres guitarristas en aquel ommento era Buffalo Springfield. La música de Moby Grape ha sido descrita por Geoffrey Parr de la siguiente forma: "Ningún otro grupo de rock and roll ha sido capaz de utilizar un trío de guitarras de una forma tan efectiva como consiguieron hacer Moby Grape en su disco Moby Grape. Spence toca un estilo de guitarra rítmica que sobresale en todo el disco. Lewis, mientras tanto, era un muy buen guitarrista en general y sobre todo con los punteos, tal y como se muestra en muchas canciones. Y por último estaba Miller… La forma en que construyeron sus partes y tocaron juntos en Moby Grape no es comparable con nada que haya oído en mi vida. Las guitarras son como un collage de sonido en que todo tiene sentido".

Todos los componentes escribieron canciones e hicieron partes vocales, tanto solistas como de coros en su disco de debut 'Moby Grape (1967. Mosley, Lewis y Spence generalmente compusieron solos, mientras que Miller y Stevenson en general compusieron juntos. En 2003, Moby Grape fue considerado el número 121 en la lista de los 500 Mejores Discos de Todos los Tiempos por la revista Rolling Stone. El afamado crítico de Rock Robert Christgau lo incluyó en la lista de los 40 Discos Esenciales de 1967. En 2008, la canción "Omaha" de Skip Spence, que aparece en el primer disco de Moby Grape, fue incluida en la lista de las "100 Mejores Canciones de Guitarra de Todos los Tiempos", elaborada por la revista Rolling Stone, en la posición 95. Se describió a dicha canción de la siguiente forma: "En su mejor single, Jerry Miller, Peter Lewis y Skipe Spence compiten en una batalla de guitarras durante dos minutos y cuarto, cada uno de ellos atacando la canción desde diferentes ángulos, sin que ninguno ceda ante los demás".

En una maniobra publicitaria, Columbia Records inmediatamente editó cinco singles de golpe, y el se consideró que el grupo estaba siendo promocionado en exceso. Esto ocurrió en un momento en que las principales compañías de discos estaban dando niveles de promoción sin precedentes a lo que en esos momentos eran considerados géneros musicales contraculturales. De todas formas, el disco fue aclamado por la crítica y tuvo bastante éxito comercial, con The Move versioneando la canción "Hey Grandma" (una composición de Miller-Stevenson) en su primer disco. Más recientemente, "Hey Grandma" fue incluida en la banda sonora de la película de Sean Penn y Nicole Kidman, La intérprete (2005), y ha sido versionada por The Black Crowes en su disco Warpaint Live (2009). "Omaha", compuesta por Spence, fue la única en alcanzar las listas de éxitos, en el número 88 en 1967. "8:05" de Miller y Stevenson, se convirtió en un clásico del country rock (versionada por Robert Plant, Guy Burlage y otros).

A mediados de junio de 1967, Moby Grape actuaron en el legendario Monterey Pop Festival. Debido a ciertas disputas legales y de representación el grupo no fue incluido en la película del festival (realizada por D.A. Pennebaker). Tanto la grabación de audio como de vídeo de dicha actuación siguen sin editarse, supuestamente debido a que Matthew Katz reclamó un millón de dólares por los derechos. Según Peter Lewis, "[Katz] dijo a Lou Adler que debía pagarnos un millón de dólares para filmarnos en el Monterey Pop Festival. Por eso, en lugar de hacernos actuar la noche del sábado antes de Otis Redding, nos pusieron la tarde del viernes cuando el recinto estaba vacío". Las secuencias grabadas de Moby Grape se mostraron en el 2007 como parte de la celebración del 40 aniversario de dicha filmación. Jerry Miller recuerda que Laura Nyron abrió para Otis Redding en lugar de Moby Grape, "porque todo el mundo estaba discutiendo. Nadie quería tocar primero y yo dije que por mí estaba bien". Además de la publicidad negativa, los miembros del grupo se encontraron metidos en problemas legales por acusaciones (posteriormente desestimadas) de mantener relaciones con menores, y las relaciones del grupo con su manager se deterioraron rápidamente.